Stage comédie : Apprendre à jouer le comédie

 

FORMATION DE COMEDIEN : 

" FORMATION AUX TECHNIQUES DE LA COMEDIE "

 

Le stage 

- Nom du stage :

  "Stage Comédie : comédie & Actors Studio"

- Avantages de ce stage :

  Prise en charge par l'AFDAS pour les intermittents du spectacle

  Possibilité de prise en charge par POLE EMPLOI pour les chômeurs

  Stage éligible aux OPCA

  Facilités de paiement possibles

- Lieux du stage :

  Ce stage aura lieu sur PARIS 13e

- Dates de ce stage :

  Prochaines dates de la formation : Stage weekend du 30 Juin au 1 Juillet 2018 de 13h à 20h.

  Vous n'êtes pas disponible pour cette date ? Régulierement de nouvelles dates de formation ( pour plus d'infos faire une demande de renseignement en cliquant ICI)

 

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Stage de comedie prise en charge par l afdas et opca et anpe

Stage en comédie :

 

 

Informations sur le stage comédie :

 

  Stage abordant le genre Comédie, où découvrir comment les outils des méthodes de Stanislavski et de l'Actors studio peuvent mener à des performances pleines de vie et de fraîcheur.

OBJECTIF :

"ARRIVER A SE LACHER SANS PERDRE SA SINCERITE ET SON HUMANITE"  

 

 

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Qui est Stanislavski ?

 

 

Stanislavski :

           

- Constantin Sergueïevitch Stanislavski, né Alexeïev le 5 janvier 1863 à Moscou et mort le le 7 août 1938, fut comédien, metteur en scène et professeur d'art dramatique.

- Il est l'un des créateurs, avec Vladimir Nemirovitch-Dantchenko, du Théâtre d'Art de Moscou (qu'il dirigea jusqu'à sa mort) et il est l'auteur de "La Formation de l'acteur" et de "La Construction du Personnage"

- Lorsqu'il meurt en 1938, son enseignement a bouleversé toute l'Europe. Dans les années 1950, l'acteur américain Lee Strasberg reprend les idées de Stanislavski pour les enseigner au sein de l'"'Actors Studio".

- Grâce à ces succés, l'"Actors Studio" a essaimé dans le monde entier est a fini par devenir le nom moderne de la "méthode Stanislavski" plutôt qu'une institution localisée dans un lieu précis.

- Cette vision du jeu du comédien fait désormais figure de passage obligé pour tout acteur souhaitant évoluer dans le monde du théâtre ou du cinéma.

 

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Img stanislavski

Stanislavki: ou et quand ?

 

 

Stanislavki :

 

 

- Le soucis de Stanislavski était de répondre aux exigences des auteurs naturalistes tels que Anton Tchekhov (qui était son ami) et Maxime Gorki. Jouer "juste", jouer "vrai" est son obsession principale.

- Si sa vision du jeu de l'acteur continue, 100 ans aprés sa création, à influencer considérablement le théâtre et le cinéma d'aujourd'hui, c'est qu'elle se place absolument hors du temps.

- A une époque où l'interprétation des acteurs était exagérée, empesée et grandiloquente, en plein démarrage de l'ère industrielle ou le rationalisme et le mécanisme pèsent lourdement sur les pensées, Stanislavski nous propose un jeu fin, léger, sensible, profondément humain.

- Alors que la "raison" semble être la seule valeur reconnue par ses contemporains, Stanislavski tire le meilleur des travaux de Freud pour reconnaitre l'importance des émotions et du subconscient. Il ne cherche pas à dominer ou à contrôler le subconscient. Il cherche à "danser" avec lui car "Seul le subconscient peut nous procurer l'inspiration dont nous avons besoin pour créer."

- Sa vision à la fois très humble et très ambitieuse du jeu dramatique donne à l'acteur l'occasion d'être un véritable artiste, de jouer l'équilibre (et souvent la tension) entre toutes les parts de lui-même.

- D'autres écoles de la même époque (et parfois de la même culture, voir le cinéma soviétique, par exemple) sont en totale opposition avec cette façon de voir : l'acteur y est considéré comme une sorte de machine à la disposition du metteur en scène, il doit pouvoir contrôler son corps de manière mécanique pour obtenir les mouvements et l'attitude prévus par le scénario ou par la volonté du metteur en scène. L'imitation serait donc le seul talent utile à l'acteur.

- Cette tendance à nier la sensibilité de l'acteur et à lui imposer un jeu de "surmarionnette" est finalement celle qui dominera toute la première moitié du xxe siècle : d'Adolphe Appia à Edouard Gordon Craig, d'Antonin Artaud à Bob Wilson, on cherche à créer l'émotion par un "spectacle total" accordant bien plus d'importance aux lumières et à la mise en scène qu'à la capacité d'intériorisation de l'acteur. Ce dernier n'est qu'un élément du spectacle parmi d'autres, un figurant, une partie du décor qui bouge et qui parle, un pion, un symbole, en bref, une machine dont le jeu n'a de sens qu'à travers sa participation au "grand tout" dont le metteur en scène est le maître suprême (le Dieu).

- Stanislavski fait donc un peu figure d'extra-terrestre dans ce contexte : révolutionnaire par rapport au siècle de sa naissance, avant-gardiste par rapport au siècle de sa mort, il est surtout reconnu depuis les années 1950. Ses propos, incroyablement modernes, correspondent parfaitement à la vision du théâtre d'aujourd'hui, basé sur la sincérité du jeu et de l'émotion.

 

 

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Stanislavski sur formastage

Quelle est la méthode de Stanislavki ?

 

La méthode de Stanislavki :

 

"Ce qui peut arriver de mieux à un acteur, c'est d'être complètement pris par son rôle. Involontairement, il se met alors à vivre son personnage, sans même savoir ce qu'il ressent, sans penser à ce qu'il fait, guidé par son intuition et son subconscient"

"C'est une gageure : seul le subconscient peut nous procurer l'inspiration dont nous avons besoin pour créer, mais ce n'est que grâce au conscient, qui par principe le supprime, que nous pouvons utiliser le subconscient."

 Cette gageure, ce paradoxe, Stanislavski propose de le résoudre en proposant à l'acteur de se rendre attentif et disponible à lui-même.

"Il s'agit de laisser à la nature le soin de tout ce qui est, au sens le plus large du mot, subconscient, et de nous en tenir à ce qui est à notre portée. Lorsque l'intuition et le subconscient apparaissent dans notre travail, nous devons savoir ne pas les contrarier."

Quelle humilité, quel modernisme dans cette pensée ! On croirait entendre les psys et les coachs du 21è siècle nous parler du fameux "lâcher-prise" qui est reconnu aujourd'hui comme l'une des conditions incontournables de l'expression et de la libération de soi.

 Stanislavski voit la capacité créatrice comme une muse un peu capricieuse, qu'il faut solliciter avec douceur mais avec fermeté, par l'exemple.

"On ne peut pas constamment créer avec l'aide du subconscient ou de l'inspiration. Il n'existe pas de pareil génie. C'est pourquoi vous devez apprendre avant tout à créer consciemment et avec beaucoup de justesse, car c'est le meilleur moyen d'ouvrir la voie à l'épanouissement du subconscient, et par là à l'inspiration.

Plus vous aurez dans votre jeu de moments de création conscients, plus vous aurez de chances de trouver l'inspiration."

car...

"Il ne s'agit pas d'exprimer uniquement la vie extérieure du personnage. Il faut encore y adapter ses propres qualités humaines, y verser toute son âme. Le but fondamental de notre art est de créer la vie profonde d'un être humain et de l'exprimer sous une forme artistique."

Pour atteindre l'idéal proposé par Stanislavski, l'acteur devra trouver son équilibre parfait et devra pour cela passer par une recherche absolue de sincérité avec lui-même.

"Il faut faire très attention lorsque vous travaillez devant le miroir. Car par ce moyen, l'acteur apprend à s'observer de l'extérieur, plutôt que de l'intérieur."

 C'est son "moi profond" que l'acteur doit découvrir et apprivoiser s'il veut exceller dans son art. C'est avec lui qu'il devra se (re)connecter à chacune de ses représentations. Ce que Stanislavski condamne en premier lieu (et avec violence !) c'est le cabotinage :

"Le théâtre, en raison de son côté de son côté spectaculaire et de sa notoriété, attire beaucoup de gens qui ne veulent qu'exploiter leur beauté ou faire carrière. Ils profitent de l'ignorance du public, de son goût faussé, des caprices, des intrigues, des faux succès et de tant d'autres moyens qui n'ont aucun rapport avec l'art. Ces exploiteurs sont des ennemis mortels de l'art. Nous devons user avec eux des mesures les plus strictes, et si nous ne pouvons les changer, il faut leur faire quitter les planches."

"Une vérité artistique est difficile a exprimer, mais elle ne lasse jamais. Elle devient plus agréable, pénètre plus profondément de jour en jour jusqu'à ce qu'elle domine l'être entier de l'artiste et son public. Un rôle qui est construit sur la vérité grandira, tandis que celui qui repose sur des stéréotypes se desséchera."

 

 

 

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Quels sont les objectifs du stage comédie ?

 
OBJECTIFS DU STAGE  :
 
 

– Apprendre à utiliser la sincérité dans la comédie


– Découvrir comment s’amuser dans le jeu et oser « oser »


– Mieux comprendre les enjeux d’une scène comique


– Comment gérer le rythme et le silence, indispensables au mécanisme du rire


– Quels sont les principes de l’écriture comique et comment les traduire dans le jeu en utilisant les outils de la Méthode


– Définir et caractériser son personnage comique

 

 

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Quel est le côut du stage comédie ?

 

  Le coût du stage "comédie & Actors Studio " peut être totalement pris en charge par divers organismes :

- Si vous êtes intermittent du spectacle:

  Prise en charge totale par l'organisme AFDAS.

- Si vous êtes demandeur d'emploi inscrit à l'ANPE:

  Prise en charge totale du stage par l'ANPE.

- Si vous êtes en poste :

  Possibilité de prise en charge par l'OPCA

Vous pouvez effectuer  1  ou plusieurs stages :

– Pour 2 stages réservés ensemble, soit 10% de remise.
Pour 3 stages réservés ensemble, soit 15% de remise.
– Pour 4 stages réservés ensemble, soit 20% de remise.

 

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L'EQUIPE :

 

Vous serez formé et encadré par des acteurs, danseur, chorégraphes, metteurs en scène, producteurs, coachs et notament :  

Rafael Linares

 

Rafalinares methodactingcenter formastage 2

 

Acteur, Danseur, Chorégraphe, Metteur en scène, Producteur et Coach d’acteurs
*Exploration, *Scènes 1 & 2 

Rafael Linares navigue entre la danse, le théâtre et la performance. En tant qu’interprète, il a travaillé sur les projets de Romeo Castellucci (« Moses und Aron »), Robyn Orlin (« Dressed to kill… killed to dress »), Jérôme Bel (« The show must go on »), Ximo Flores (« Ciudadano Sade » ), Fanny Aguado (« Pierre, Paul, Jacques»), Olivier Desbordes (« Cabaret » ), Blanca Li (« Le Jardin des Délices »), Sophiatou Kossoko (« Them no go see »), Vicente Saez (« Regina Mater »), ou encore Retina Dance Company (« Hard Shoulder » ).

Côté création, si à ses débuts la danse fut au centre de sa démarche artistique, elle s’est vite inscrite au service d’un projet global mettant l’accent sur l’interdisciplinarité : La parole, le chant, la danse, la vidéo s’entrecroisent dans ses spectacles. Il a réalisé des pièces de plateau, des performances, des canulars vidéo ou des pièces purement dansées, ces dernières toutes primées. Les sujets sociétaux ou d’actualités comme l’immigration,  le racisme, la croissance démographique, l’écologie… sont au centre de son projet artistique.

Six projets à son actif : « Ah ! », «  …ion », « completo », « 2006…inmaculada decepción », « Je refuse de faire un spectacle sur la fin du monde », « On est + » et deux co-productions « Especulaciones », « Makbet » mis en scène par Ximo Flores avec le Teatro de los Manantiales. Ses créations ont été présentées en Espagne, en France, au Portugal, en Tunisie et en Allemagne.

Côté cinéma, il a joué dans les films de Pedro Almodovar « Les amants passagers », Michel Gondry « L’Écume des Jours », Mickael Perret « Soleil Rouge », Pascal Lahmani « La croisière ».

 

 

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